image & verb

Archive for the ‘Contemporary Art’ Category

SPANISH GARDENS

In Contemporary Art, Documentary Practice, Visual Culture on April 6, 2012 at 6:06 am

Medina Elvira Golf, 2011. ©Héctor Bermejo

“Así eran también nuestros viejos y callados jardines españoles que también se han ido perdiendo. Desapareciendo tras una época de furor endémico, la cual los alejó de su rincón escondido donde poder orar en sigilo. Como estos campos de golf abandonados que ya forman parte de este nuevo recuerdo del jardín histórico”.

De cuando en cuando el ser humano clava una bandera blanca en la tierra a modo de conquista, otras a modo de rendición y hasta en algunos casos a modo de socorro. En la serie SPANISH GARDENS apreciamos los tres significados unificados en un mismo código para albergar su suerte de colapso, voz corsaria de este presente convulso.

El proyecto fotográfico SPANISH GARDENS se centra en la idea de la fotografía directa como representación de una realidad más allá de la imagen.

El actual proyecto de fotografía SPANISH GARDENS comenzó en el mes de diciembre de 2011 y continuará por el transcurso de un año, haciendo un recuento genérico de los campos de golf abandonados en el territorio español y su relación con el nuevo concepto de jardín histórico, o tal vez, como relevo de una nueva re-visión del JARDíN ESPAÑOL.

REDUX

In Contemporary Art, Documentary Practice, Polaroid 600 on February 6, 2012 at 6:06 am

F. A. (revisited), 2004-2006. ©Héctor Bermejo

“Mañana y tarde, verano y otoño. Las pinturas crecen como fotografías orgánicas, que florecen en el tiempo, una tras otra, en sucesión. Una serie”.

Briankle G. Chang.

La práctica fotográfica recorta la experiencia en una serie de fragmentos. Para crear esta fragmentación es necesario pensar en las fotografías como entidades completas en sí mismas, que pueden servir como referente de corroboración o descubrimiento a posteriori. Fragmentos que expresan condiciones y en su recurrencia, una preocupación proyectual que guía algunas de las decisiones de cada proyecto.

La consecuencia más importante de la consideración de las imágenes fotográficas como fragmentos, y del intento de reconstrucción de una estructura visual a partir de estos, es que mediante el revisitar se hace posible la incorporación de la experiencia de proyectos previos, no como una línea que lleva de un proyecto al siguiente, sino como una serie de variaciones sobre temas que constituyen nuevos hallazgos como proyecto expandido.

La reiteración es una condición de partida necesaria para las variaciones, porque tiene que existir un tema, o varios, sobre los cuales se desarrollen las oportunas exploraciones en el momento de revisitar.

Subterfuge

In Authors, Contemporary Art, Polaroid 600 on November 6, 2011 at 6:06 am

A place to hide but not for all, 2004. ©Héctor Bermejo

“De como fotografiar el vacio… aunque siempre aparezca disfrazado: o de persona, o de sentimiento, o de idea, o de lugar”.

Todos los procesos ligados de algún modo y que me llevan a una reflexión sobre las diversas manifestaciones del silencio en la obra de arte generan en mi una tensión. Tensión singular que se da entre materia y forma, unidad y multiplicidad, entre finito e infinito, individualidad y totalidad, entre lo material y espiritual.

Configuración única y singular de un proceso que manifiesta lo indeterminado y particularmente presente en la obra de arte y la imposibilidad de poder abordarlo en su esencia a partir del lenguaje. Tensión entre lo actual del material y lo virtual que propone la obra, provocando si se quiere una suerte de alquimia perceptual, una transmutación de los sentidos, una posible forma de conocimiento, etc…

Manifestación que se resiste a ser encajonada en un concepto. Silencio que interpela y derriba las fronteras del conocimiento racional, en la cual podemos advertir la presencia de lo indeterminado pero no podemos descifrarlo, no es un enigma, es un misterio.

Arquitectura del silencio que reclama la presencia de lo inefable. Lugar donde la materia se espiritualiza y el espíritu se materializa, lugar de preparación para la muerte como símbolo de lo indeterminado; misterio y origen de todas las cosas.

Arte Múltiple

In Authors, Books, Contemporary Art, Events on October 16, 2011 at 6:06 am

I Foro de Arte Múltiple, 2011.

“Presentación del libro: On minded prints. On prints minded; Gráfica contemporánea de campo expandido, en Estampa 2011”.

Con motivo de la celebración de la XIX feria de arte contemporáneo “Estampa Arte Múltiple” entre los días 20 y 23 de octubre de 2011, tendrá lugar la presentación del libro “On minded prints. On prints minded”; Gráfica contemporánea de campo expandido. La presentación correrá a cargo de Ana Soler y Kako Castro, directores del grupo de investigación dx5.

Dicha presentación tendrá lugar este viernes 21 de octubre a las 18.30 h, en la sala VIP del pabellón 8 de IFEMA en Madrid, en el contexto de la Feria de Estampa, que se celebra este año entre los días 20 y 23 del mes de octubre.

Conjuntamente, se presentará el libro La piel de la imagen. Ensayos sobre gráfica en la cultura digital de José Ramón Alcalá, publicado por la editorial Sendemà.

Flag

In Contemporary Art, Documentary Practice, Visual Culture on September 6, 2011 at 6:06 am

De la serie Flag: Cicloclónico, 2007. ©Héctor Bermejo

“Del aburrimiento, de la intoxicación, del deterioro, del paso del tiempo, de una publicidad social, de un metalenguaje, de un icono, de lo callejero, de lo pos-urbano, de una invasión controlada… nace una repetición de una bandera”.

Una bandera que deja de ser bandera para volverse cárcel, tortura, destrucción, idolatría, pasión, amores viejos, amores nuevos, dejadez, abandono, huella ilegible, esbozo, sello, huella indeleble, perpetuidad eternizada, eslogan, signo identitario y desleal. Una isla no es una bandera, ¿o sí?, una bandera no es una nación ¿o sí?, una bandera no es una país ¿o si?, un país no es solamente una bandera, ¿o sí?

¿Que significa una fotografía? Un fragmento atropellado a la realidad, un manifiesto imparcial, una sentencia, una verdad, una mentira, una ilusión, un documento, una consecuencia, una causa, un tramite, una negociación, un pretexto, un texto subvertido, una casualidad, un accidente, un golpe de dados en el vacío, un ejercicio del azar, ¿o no?

Tautología y repetición, repetición y vaciamiento del sentido, ¿sentido de qué?, ¿de cuando?, ¿de donde?, ¿de porqué?, ¿de para quién?

¿Que representa una bandera?

¿Quiénes son sus dueños?

Crystal Silence

In Contemporary Art, Polaroid 600, Visual Culture on July 26, 2011 at 6:06 am

Point of no return, 2002. © Héctor Bermejo

[...]“no hay ausencia más que del otro: es el otro quien parte, soy yo quien me quedo. El otro se encuentra en estado de perpetua partida, de viaje; es, por vocación, migratorio, huidizo; yo soy, yo que amo, por vocación inversa, sedentario, inmóvil, predispuesto, en espera, encogido en mi lugar, en sufrimiento, como un bulto en un rincón perdido en una estación. La ausencia [...] va solamente en un sentido y no puede suponerse sino a partir de quien se queda -y no de quien parte-: yo, siempre presente, no se constituye más que ante tú, siempre ausente. Suponer la ausencia es de entrada plantear que el lugar del sujeto y el lugar del otro no se puedan permutar”.

Roland Barthes.

A mi parecer, la ausencia en la fotografía es la conceptualización de una presencia que no se margina, si no que lucha y se impone por si misma, surge de la nada, habla y se envuelve en el misterio de la lejanía para salirnos al encuentro y posarse a nuestro lado, para acompañarnos por el intrincado laberinto de la existencia, y en su momento, darnos cuenta de nuestra fugacidad.

Nuestra contemporaneidad se observa desde el calisdoscopio de la fragmentación. Los escenarios requieren una puesta en escena, sin duda, más completa. El andamiaje no está del todo montado. El futuro es muchas incógnitas aunque se empieza a vislumbrar sus luces, sus sombras. ¿Continuará el hombre como actor principal de sí mismo, fuera de sí? En el principio, el final; en el final, el principio. Después, un punto y ¿un final?

Pictogramas

In Contemporary Art, Photography, Polaroid 600 on July 16, 2011 at 6:06 am

The impossible garden, 2003. ©Héctor Bermejo

“Una fotografía, de hace un tiempo a esta parte, sobre todo después de Barthes regalarnos su Cámara Lúcida, se dice que se manifiesta como si fuese una parálisis del tiempo; en cambio, últimamente cada día pienso más una fotografía como una parálisis del espacio”.

Cuando aprovecho la capacidad de contaminación que provoca en la supuesta calidad fidedigna de la imagen fotográfica con el uso de la cámara Polaroid para realizar mis ensayos fotográficos, expando los límites del documento fotográfico en sí, al convertirlo en documento de una visión, y no en documento de lo real; sin dejar de estar fotografiando un fragmento, segmento o sección de un espacio donde la realidad reina. Realidad que esta vez es desvirtuada de su autenticidad, no por el aplanamiento metafísico de su tridimensionalidad, como plantean algunos hermenéutas de la imagen, sino por el descentramiento de sus significados, ya que sus significados desaparecen cuando hago que explote el color, cuando lo expando, lo corrompo, lo sobre-expongo, lo licuo, lo horizontalizo (pensando en Deleuze, el Rizoma, etc…); así como cuando lo fracturo, y hago que reviente el grano fotográfico, pictorializando la fotografía en sí. Aún cuando sigo representándola o exhibiéndola como una Fotografía, y no como otra cosa.

Hacia esa dirección de “disidencia contaminada”, la obra fotográfica PICTOGRAMAS apunta. En medio del reordenamiento de las funciones naturales de la Fotografía como sistema documentador de lo real, donde opto por fotografiar la realidad desde un mecanismo contaminador del resultado de mi mirada personal: La Polaroid. Uno de los sistemas de la Fotografía Amateur por antonomasia, sobretodo en la década de los 70´s-80´s; para desde ahí, desde esta nostálgica tergiversación de la realidad, ampliar la mirada hacia un acercamiento casi pictórico de lo observado. Como si el reutilizar un sistema fotográfico -en apariencias- aficionado, me permitiera distensionar los profesionalismos innatos del medio. Yendo más allá de lo documental, hacia una documentación -cuasi solamente y/o fundamentalmente- estética de la realidad que decido instaurar como Memoria Documentada.

Faded Architecture

In Contemporary Art, Documentary Practice, Polaroid 600 on July 6, 2011 at 6:06 am

De la serie: F. A. 2004-2006. ©Héctor Bermejo

“El patrimonio ha explotado en todos los sentidos. En apenas 20 años ha dejado el monumento histórico, la iglesia y el castillo para refugiarse en un lavadero de aldea o en un refrán popular. Ha escapado de lo notarial y de lo artístico para invadir todos los dominios de los que estaba precisamente excluido”.

Pierre Nora.

Nuestra mirada actual sobre los secaderos, como conjunto, tiene mucho que ver con la extraordinaria ampliación que en las últimas décadas viene experimentando el concepto de patrimonio. Si en sus orígenes, en el siglo XIX, la idea de un patrimonio arquitectónico a proteger afectaba tan sólo a edificios singulares, monumentales y de varios siglos de antigüedad, los límites del ámbito patrimonial no han parado desde entonces de ensancharse.

Cronológicamente, ya hasta la propia arquitectura del siglo XX puede ser patrimonio. Pero además se han abierto paso conceptos hasta hace muy poco impensables: la protección del entorno urbanístico de los edificios, del territorio, de los parques y jardines, de las tipologías de las más humildes arquitecturas domésticas urbanas o rurales, de la arquitectura popular, del acervo etnológico, bibliográfico, musical, etc.

Las fotografías de Héctor Bermejo nos sacan a la luz todas las contradicciones de la historia urbana de Granada en relación con su territorio; nos hablan de una historia secular, con distintas fases de aceleración y con diversos modos de entender la relación entre el hombre y el ambiente edificado, entre la actividad humana y la construcción. Nos muestran, condensada en la imagen de un edificio y su nuevo uso, el choque entre una relación histórica lenta, consolidada, cristalizada en tipologías, métodos y técnicas constructivas instaladas en la larga duración, y la invasión acelerada, brutalmente rápida e irreversible de ese espacio.

Pasolini, que hizo del aplastamiento de las culturas populares por el consumismo capitalista el eje central de su poética, hubiera tenido, sin duda, muchas cosas que decir sobre este proceso.

Juan Calatrava & Antonio J. Torrecillas.

Fallen

In Contemporary Art, Portraiture, Visual Culture on May 16, 2011 at 6:06 am

Ahora callas / Now, quiet, 2010. ©Héctor Bermejo

“No hay paisaje sin ti. Qué roca oscura, qué mar de plomo, qué amarillo cielo. Es sólo tu mirada la que infunde belleza y claridad. Máquina extraña que elabora el prodigio del paisaje. Sólo es rosa la rosa si la miras y este trozo de tierra abrupta y este trozo de mar sombrío se revelan en tus laboratorios cerebrales. Ah, si fuese verdad tanta belleza. Pero la verdad nace en los sentidos. La verdad es tu mano y es tu lengua, tu nariz, tus oídos, tus pupilas y tu humana conciencia recogiendo tanto material presto a la hermosura. Cuando la bomba aséptica extermine córneas, tímpanos, lenguas, pituitarias y piel en forma tuya edificados, ¿qué será de esta pobre geografía sin el soplo de un dios que la despierte?”.

El paisaje eres tú de Leopoldo de Luis.

Consciente de la interrupción del discurso por la muerte física o por la muerte de la palabra -que se identifican- al reemprender-lo en los Diálogos del conocimiento de Vicente Aleixandre, donde se acerca a aquella “escritura vocal” que Barthes reivindica, recordando las recomendaciones de Artaud y de Sollers (Barthes, Roland: The pleasure of the test, Hill and Wang, N.Y., 1975).

Estos diálogos póstumos – o quizás simplemente escritos con la plena sabiduría de la muerte, como quiere Leopoldo de Luis, concitan alrededor del poeta, como las imágenes que pasan en rápida sucesión por la mente del que se ahoga, una serie de personajes, que parecen querer dar cuerpo y concreción al discurso.

En esencia, culmina aquí la actitud dialéctica alejandrina, (ya que cada imagen nos muestra un diálogo o coloquio que, en paridad, es lo que Unamuno podría llamar monodiálogos y nosotros monólogos agrupados), como si el yo desaparecido, o en trance de desaparecer, renaciera asumido por una serie de voces, que son, en cierta medida, cauces de distintos monólogos interiores convergentes, que nos prestan una visión total a través de una confusión parecida a la que informa, en el alba de nuestro pensamiento, la combinatoria luliana.

Mirar la nada

In Contemporary Art, Documentary Practice, Portraiture on May 6, 2011 at 6:06 am

The contortionist, 2010. ©Héctor Bermejo

“Enajenación es la transformación, debida a condiciones históricas, de los productos de la actividad humana y de la sociedad, así como las propiedades y aptitudes del hombre, en algo independiente de ellos mismos y que domina sobre ellos. Por generalización, la alienación ha pasado también a caracterizar la transformación de fenómenos y relaciones, cualesquiera que sean, en algo distinto de lo que en realidad son, la alteración y deformación, en la conciencia de los individuos, de sus auténticas relaciones de vida”.

Si en Alpha cada una de las fotografías nos hablaba de la reversibilidad de la mirada, del espacio intermedio que se sitúa entre nuestra posición como observadores y nuestra -a veces patética- posición como observados, en ese momento de “absoluta indefensión”. En MIRAR LA NADA – PENSAR EL TODO, podemos pensar que la comparación metafórica entre la enajenación y el abandono, no siempre tienen que ser motivos de derrota, si no, más bien, de un posible interrogatorio más del sujeto. Donde sus memorias están subscritas a dicho estado y este, a su vez, sirve de puente hacia nuevos “DIALOGOS CON LOS ENAJENADOS”.

Durante un recorrido histórico por el arte contemporáneo, ocasionalmente me ha llamado la atención, como el sujeto contemporáneo, ha estado ligado a ciertos estados de abstracción o de simulación del abandono: (Edward Hopper – Excursion into philosophy, 1959). Desde esta obra donde Hopper sugiere este tipo de abandono físico (que no meditativo) del sujeto, me hace recapacitar en la idea del desdoblamiento tanto del retrato como de su anulación hacia su centro de observación, haciendo de este particular motivo, un elemento de engañoso vacío personal, aunque con muestras de su pensamiento más totalitario.

On Minded Prints

In Books, Commissioned, Contemporary Art on April 16, 2011 at 6:06 am

Gráfica Contemporánea de Campo Expandido, 2011.

Presentación de la publicación “On Minded Prints. Gráfica Contemporánea de Campo Expandido”. Publicación con 86 artistas españoles de prestigio internacional. Selección de artistas y propuestas : Rafael Doctor Roncero, Javier Blas, Santiago Eraso, Miguel Cereceda, Iván de la Torre Amerighi. Edita y coordina : grupo de investigación dx5.

On Minded Prints se inscribe en la actividad editorial iniciada en el año 2004 por el grupo dx5 – digital & graphic art research de la Universidad de Vigo, dentro de las líneas teórico-conceptuales, tratando con ello de dar continuidad a la metodología defendida y puesta en práctica por el equipo de investigadores, artistas y docentes de este grupo de investigación.

On Minded Prints es, ante todo, un proyecto editorial con vocación comunicadora, didáctica y eminentemente divulgativa, que intenta aproximarse al significado de la obra gráfica, estudiada desde su sentido más amplio, en España durante los últimos años del siglo XX y primera década del tercer milenio. Trasladar, en definitiva, una manera de concebir el arte contemporáneo desde el prisma y la nomenclatura del arte gráfico; un arte que redefine, en muchos casos, las estrategias de comercialización y concepto de autoría tradicionales.

Ficha del libro

Autor: AVV
Fecha de 1ª Edición: 03/2011
ISBN 13: 978-84-614-7535-3
Edita: Grupo de Investigación dx5 – Universidad de Vigo
Distribuye: Bitácora – Arte y Humanidades
Medidas: 19,5 x 25 x 3,5 cm
Páginas: 368
Impresión: Cuatricromía
Encuadernación: Cartoné
Idioma: Castellano e Inglés

Man in the mirror

In Contemporary Art, Photography, Visual Culture on April 6, 2011 at 6:06 am

In & Out of the garden, 2009. ©Héctor Bermejo

“When used for documentation purposes, the photograph exposes a host of fissures within society, portraying the condition of the immediate environment while simultaneously gauging it in a single snapshot”.

Boris Mikhailov – Photographer.

According to Sontag, photographing any subject should bring out the correctness and suitability of the thing getting photographed. One should put one’s self into a positive relation to the world that feels like knowledge and therefore like power. However, it is the photographers who decide what object to take a photo of, what angle to frame the photo, which photography technique to use and what elements should be excluded from the photograph. All these factors may mirror a certain socio-historical context. Following these lines, the impact of photography on society cannot be ruled out. That photography is a subjective form of representation is a strongly debatable issue.

The effect of photography in modern times has raised a number of concerns. The impact of modern photography can be seen on society. The camera is presented as a supporter of voyeuristic reserves in Alfred Hitchcock’s Rear Window in 1954, where although the camera is an observation station, it is the act of photographing which is more than passive observing.

The impact of photography on society, as one of the new media forms changes the structure of society. Further discomfort has been caused due to cameras and photography in regards to being insensitive. It is also feared that disturbing or explicit images are easily accessible to children and society at large today. It is a concern today that people can be turned into objects that can be symbolically possessed by anyone today.

A way of seeing

In Contemporary Art, General, Photography on March 6, 2011 at 6:06 am

Lamb & Land, 2004. ©Héctor Bermejo

“Contar deforma, contar los hechos deforma los hechos y los tergiversa y casi los niega, todo lo que se cuenta pasa a ser irreal y aproximado auque sea verídico, la verdad no depende de que las cosas fueran o sucedieran, de que permanezcan ocultas y se desconozcan y no se cuenten […] La verdad nunca resplandece, como dice la fórmula, porque la única verdad es la que no se conoce ni se trasmite, la que no se traduce a palabras ni a imágenes, la encubierta y no averiguada, y quizá por eso se cuenta tanto o se cuenta todo, para que nunca haya ocurrido nada, una vez que se cuenta.”

Javier Marías. Corazón tan blanco, 1992.

Llevaba tiempo rondándome por la cabeza la idea de crear una plataforma divulgativa, en la cual THEACTOFSEEING pudiera mostrar un modo de ver personal, que expandiera los límites de lo estrictamente preestablecido, y a su vez, crear así una ventana donde poder actualizar periódicamente el trabajo de dicho colectivo y el de sus autores.

Mediante este blog no sólo nos enriqueceremos de los distintos contrapuntos eventuales que escritores y especialistas pongan de manifiesto sobre diferentes prácticas de la cultura visual contemporánea. Si no, que a su vez, este será un espacio que versará sobre algunos aspectos relacionados más directamente con la práctica documental, el arte contemporáneo, la cultura visual, la fotografía, eventos relacionados con THEACTOFSEEING y publicaciones de especial interés y relevancia, tanto personales, como de otros creadores internacionales, destacados por su particular modo de ver.

Así pues, tomaremos como único punto de referencia la búsqueda de una nueva imagen portadora de un discurso abierto y ecuánime. Encontrando en él un refugio para cobijar la cabeza y un lugar donde descansar la mirada, a través de esta apasionante andadura por nuestro lenguaje más universal.